学术活动丨贾国平作曲工作坊综述（一）

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   为深入推进作曲学科建设与人才培养，四川音乐学院作曲系依托2025年学科建设项目《名师作曲工作坊——“有组织创作”的学科引领工程》（负责人：郭元），特邀中央音乐学院贾国平教授，于6月12、13、16、26、27日在武侯校区开展作曲工作坊系列课程。本次工作坊由四川音乐学院作曲系主办，四川音乐学院研究生处协办，先后分别由作曲系副主任敖翔教授与主任郭元教授担任主持。综述（一）为前3天授课内容，涵盖了本科生与研究生不同阶段的培养重点。

6月12日上午，工作坊系列活动在武侯校区教学楼201智慧教室正式开讲。首场讲座中，贾国平教授围绕“作曲学习的多路径发展”，从自己的成长经历、教学经验、学生案例与创作理念等方面，深入探讨了当代作曲学习的多元路径与教育引导的方式。结合实际情况，贾国平教授分享了两位青年作曲家的成长经验。

   第一位是杨吉铭，目前就读于中央音乐学院作曲博士一年级。其本科并非作曲专业，而是在学习小提琴与钢琴的过程中，通过自学和旁听逐渐建立起作曲能力。贾国平教授以杨吉铭的五部不同学习阶段的作品为线索，详细梳理了其作曲能力逐步发展的过程。从早期以抒情与即兴为特色的《抒情诗》，到在作曲理论学习后日渐成熟的《闹气》《呼唤》，再到研究生阶段在配器与表达深度均有所突破的《樱花主题幻想曲》《夜声》，以及荣获“星海杯”作曲比赛一等奖的《追云》，充分体现了其创作能力在系统学习与自我探索中逐渐积淀、提升。

   第二位是严杨林，目前为上海音乐学院博士一年级在读。他本科阶段主修声乐，研究生阶段在老师的指导下转入作曲学习。严杨林的作品如《光的力量》《秋林观泉》逐渐寻找个人音乐语言，尤其在民族音乐语汇的提炼与当代语言转化方面表现突出。其硕士期间创作的民族室内乐作品《戏·五禽》，融合了安徽地方戏曲文化与民乐音色想象，在声音表现力与文化语义转换上展现出独特探索，其作品在“百川奖”“阳光杯”等作曲赛事中屡获佳绩。

   通过这两位青年作曲家的案例，贾国平教授展示了当代作曲学习的不同路径：一是高度自驱、自学能力突出的路径，二是在导师系统指导下的个性化探索路径。他强调，教师在其中应起到引导与激发的作用，而学生则需保持持久的热情与主动性。

讲座下半场，贾国平教授分享了自己的作曲之路。他坦言，早期学习曾经历困惑与压力，直到赴德国学习并师从拉亨曼，才逐渐确立了个人的作曲理念。他特别提到，研习古琴音乐对其创作产生了重要影响。在其后创作中，他通过对古琴、琵琶、古筝等民族乐器的深度研究，探索出融汇民乐传统与当代语言的个性化风格。在分析其早期代表作《清调》（为磁带与管弦乐队）（1988）时，贾国平教授介绍了他“以新方式引用古琴”的思路。他并非简单模仿古琴音响，而是在神韵上贴近古琴音乐思想的同时，又必须是新的音乐作品。在他看来，创作是一场“寻找与发现”的旅程，传统不是桎梏，而是激发创造的深井。

   当日下午，工作坊系列活动第二讲如期举行。本次课程旨在通过“边讲解、边实践”的方式，加强作曲新生对作曲初步训练的理解与操作。课程聚焦于一个许多同学在实际写作中反复遇到的问题——当我们获得一个动机时，如何展开写作？动机看似短小，却往往承载着整首作品的生长潜能。如何将动机发展成完整的音乐语句、乐段甚至作品？这是作曲训练中不可或缺的基本功。围绕这一主题，贾国平教授首先列举了一些如舒曼《初衷》，莫扎特《钢琴奏鸣曲》K.311等经典作品的片段，围绕音乐形态、曲式结构、动机发展逻辑与和声组织等维度进行细致讲解，并提出了几种常见且有效的动机发展路径。随后，贾老师现场给出一个动机作为写作起点，鼓励同学们基于此进行传统写作尝试。十余位同学提交了各自方案，针对同学们的写作，课堂随即进入集中讲评环节。贾老师从节奏变形、旋律线条、结构统一、音乐性表达等多个方面对同学作品进行了耐心细致的点评。

  13日上午，贾国平教授围绕“现代音乐的观念与表达”这一主题，继续引导我们梳理西方现代音乐发展的脉络，并通过丰富的作品分析，帮助我们理解现代音乐中技术与表达的关系。

   贾老师首先从宏观角度出发，概述了现代音乐的历史演进脉络。他指出，现代音乐的发展本质上是一场作曲家“自我解放”的探索过程，其观念的演进大致体现在以下几个方面：对传统调性语言的突破、对音乐材料的重新界定、对结构逻辑的重新思考，以及对表达方式的多样化探索。为了进一步阐释“技术如何服务于表达”的命题，贾老师选取了利盖蒂的多部作品进行分析，如《音乐探索》《大气》《远方》等。这些作品一方面体现了作曲家在创新与传统之间的动态平衡，另一方面也打破了传统封闭式结构，转而强调开放性过程与渐变性逻辑。凯奇的《A Room》以有限材料进行自由展开，提出了对音乐过程的重新理解。赖利的《In C》则通过重复与层叠的方式构建出一种无始无终的“动态稳定”，展示了结构观的根本转变。赛尔辛的作品在一定程度上颠覆了我们对音乐结构与发展的传统认知，它既不同于简约派，也不同于序列音乐，而是对复杂性与自由度的一种融合探索，体现出对当代音乐结构思维的挑战。在课程尾声，贾老师引介了几位中国当代作曲家的代表作品，展示了如何在脱离西方技术体系的前提下，探索本土文化语境下的声音表达，以瞿小松的《静水》与《混沌》，梁雷的《风》等作品为例。

16日，贾国平教授围绕四川音乐学院2025年“川音杯”小型器乐曲作品比赛中的参赛作品，展开了系统性的点评与指导。整体而言，学生作品呈现出具有价值的探索倾向：一方面，创作者普遍摆脱了对传统调性语言的简单模仿或对现代音效的盲目依赖，转而在融合性、多样性及个性化语言的建构方面展开积极实践；另一方面，也暴露出在音乐逻辑、材料发展、音响组织与结构控制等方面的普遍问题，成为当前学习阶段亟需正视与提升的核心议题。

从整体风格取向来看，不少作品在立意上结合了文化背景、自然意象或绘画图像，如《唐蕃行·远望》《百骏图》《Hnaib Goldliux》《迁流四序》与《至上主义的桎梏》等，皆通过民族文化、节气观念或视觉图像的转译，构建了各具特色的主题意象。在此过程中，同学们表现出对音色融合的初步理解，尤其在民族乐器与西洋乐器的结合写作中展现出融合意识。例如，《唐蕃行·远望》中钢琴与古琴的交织形成兼具传统意味与当代表达的复合音响；而《Hnaib Goldliux》则基于苗族文化提炼出音高材料，并通过重组与编织，展示了音响聚焦与保留的控制能力。

贾老师特别强调，在创作过程中应关注音乐语言的建构与风格的自我发展。不少学生尝试吸收不同流派的技法语言，老师对这种探索给予肯定，并提醒同学需在借鉴中发展出自我的逻辑路径，形成独立的表达方式。旋律在众多作品中被频繁提及。在音乐材料的选择与发展方面，作品大致呈现两种路径：一类在材料提炼上较为集中、发展方向明确；另一类作品则在材料发展过程中暴露出重复性高、推动力不足的问题。贾老师指出，音乐的时间体验本质上是动态、过程性的，作品需在写作前期通过不同方法与手段预设整体发展路径，使音响状态在时间维度上获得合理分配，从而实现有机演进。在结构组织与逻辑控制方面，多数作品体现出学生对整体构架与局部细节之间关系的深入思考。贾老师指出，结构不仅是段落的排列拼接，更重要的是材料逻辑的组织系统。在当代音乐语境中，材料来源的合理性、变化路径的多样性及听觉呈现的张力，构成了结构建构的核心依据。

贾老师在此次讲评中兼顾技术分析与创作观念的提升，鼓励同学们继续在以下方面深入思考与实践：结构性逻辑的构建、材料发展与控制、音响空间布局、文化元素提炼与个性语言建构等。综观本次课程中的作品，不少学生已具备良好的选题意识与音响感知能力，在音色融合、文化意象提取、材料聚焦等方面已有长足进展。接下来，如何在音乐时间流程、发展逻辑与结构系统的整合上实现突破，将成为创作能力进一步跃升的关键所在。

为期数日的“贾国平作曲工作坊”（一）至此告一段落，但由此激发的思维火花与创作热情远未止息。本次工作坊激发了学生们强烈的思考欲望与创作动力。许多同学表达了他们的收获与感悟：

张熙越同学表示：“贾老师一针见血地指出了我作品在编制融合上的问题：不同乐器声部如何更好地协作，创造出更自然、更有深度的整体音响，他提出的优化思路，让我立刻看到了之前忽略的可能性。对于大鼓的运用，老师也给出了关键建议。不仅仅是技术处理，更是它在音乐结构和情绪推进中扮演的角色该如何更精准、不单一、更有表现力。这些点拨让我对大鼓这件乐器有了新的认识。最让我释怀的，是老师对创作本质的回答。当问到某个选择是否‘正确’时，老师说：‘作曲没有标准答案’ 他强调，每个作曲家都在寻找自己声音的路上，这条探索之路本身，那些独特的思考和尝试的痕迹，就是最真实的‘答案’。这次交流不仅解决了具体问题，更让我对创作本身多了一份笃定和勇气，让我受益匪浅，再次感谢贾老师的无私分享！”

徐廷炜同学认为：“参加此次作曲工作坊，如同一把金钥匙，打开了我曾经音乐创作的一些迷点，在工作坊上贾国平老师结合经典作品，深入浅出地剖析，并耐心精准地回答我们的提问，那些曾让我困惑的作曲技术瞬间鲜活起来。在‘川音杯’决赛作品讲解环节中，贾国平老师提出不足的地方并指点迷津让我受益匪浅。与来自不同年级的创作者交流碰撞，我发现不同学习阶段背景下和不同审美下音乐语言的差异，这极大拓宽了我的创作视野。”

黄婷同学表示：“在此次作曲工作坊中，我受益良多。贾国平老师对我的作品指出了不足之处，音乐应该有内容有灵魂，我觉得技术应该服务于内容，不应该仅有一个花架子，这是我作品一直存在的问题。贾国平老师把我从混沌的状态拉出来，豁然开朗，在自己思想上打破了一些障碍。我也会将自己的想法更好的在作品中实践。还有在与不同年级的创作者们一起学习交流的过程中，也让我从中汲取了更多丰富的作曲经验。在学习中，我也将更加努力坚定地深耕，感谢贾国平老师。”

胡世益同学回顾道：“贾老师从结构张力、音色逻辑到现代记谱法等方面对我的《Dancing Lights on the waves》进行了精准剖析。他特别指出作品中‘海浪光斑’的意象化表达虽有新意，但其中需要更多关注结构上的推动，不能让曲子陷入平淡之中，以及如何去对音色进行进一步的设计变化。工作坊的“有组织创作”理念让我深受启发：贾教授强调作曲不仅是灵感迸发，更需要系统性思维——从文化母题的解构、音响材料的科学设计到全曲结构的严谨布局。这种严谨的创作方法论，恰恰弥补了我过去创作中存在的短板。此次经历如同一面镜子，既照见作品中的青涩，更映射出未来探索的方向。”

陈悦锦同学则感言：“感谢四川音乐学院作曲系老师们给予我的帮助，感谢贾国平教授给予我珍贵的指导！‘川音杯’小型器乐比赛结束后，我以为比赛活动全部结束了。出乎意料地，作曲系安排了参赛学生和著名作曲家贾国平老师一对一作品点评课。让我非常激动和感动……贾老师听了我的作品后，详细地针对我的作品，指出了材料运用和发展的问题。让我更加明确了：在未来的写作中，我如何更好地去把控一首作品的结构。通过这一次在学校和作曲家直接对话、探讨和学习，让我对未来的写作，有了更大的目标和信心。谢谢四川音乐学院作曲系！感谢贾国平教授！作曲是一条漫长的学习之路，千里之行，始于足下，未来，我会在学习中继续努力，更上一层楼！”

这些反馈不仅展示了学生们在技术、理念与思想层面的全面收获，也再次印证了本次工作坊在教学内容、方法体系与个性引导上的深远价值。更重要的是，这种从“倾听”到“内化”，从“问题”到“探索”的过程，正是每一个青年作曲家走向成熟的起点。

从理念讲授到案例解析，从课堂指导到作品点评，贾国平教授以其深厚的艺术积淀、严谨的逻辑体系与开放包容的教学风格，为四川音乐学院作曲系师生打开了一扇通往“有组织的创作”与“多路径发展”的精神之窗。此次工作坊既是一次教学示范，也是一种精神引领；既是一次技术方法的拓展，更是一场关于声音、文化与自由的深度对话，为当前作曲教学注入了新的方法论与思想张力。

撰稿：王芸萌

文稿修订：陈玲俐

编辑：唐渊诗

审核：姚春城

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